上午10点，金星在没有开空调的剧场，和同事们进行节目合成。激光笔打出绿色光点，在黑色幕布跳跃，“光没有反差”“光像水流一样跟着慢慢移动。”7月16日，金星舞蹈团在上海国际舞蹈中心带来疫情后首次演出。9月东艺、10月上海大剧院，舞团将陆续推出经典剧目专场。

去年年底，金星舞蹈团在上海大剧院庆祝成立20周年，《舞@上海》专场开票不到24小时即告售罄，加演一场同样全场爆满，“从那时起，我们酝酿给青年演员机会，让他们创作自己的作品，灵感与构思在2020年疫情期间，重新发酵、沉淀。”3月2日舞团复工，金星每月考核两次，检查“学生作业”有无进步，“我了解他们，比如独舞《漩涡》，编导刘晓彤在舞团8年了，她知道自己想要什么。”

7月16日、17日《如梦的旅行》、7月18日、19日《她、他们的世界》，集结金星舞蹈团青年人11部风格各异作品，是继20周年团庆后舞团首次全新亮相，“9月东艺、10月上海大剧院，我们计划上演完全不同作品。疫情休整给了团队新老交替的锻炼，新演员有机会经历老作品。”

金星审视每个站上舞台的演员，《Two in One》两个女孩戴着宽檐帽，她注意到帽子露出散发，“正式演出时一人长发，一人把辫子扎起来，这样有对比。”下一组《彼岸》，她同样从服装开始检查，“怎么穿得像厨师，面纱包得像防毒面具？”在剧场，金星更像个开玩笑的姐姐，“裙子向上拎紧”“干干净净的光，比花的光好”。灯光师一步步调整参数，金星提醒演员，“吴浩，身体不用那么紧绷，再等一等，还在调光。”

金星争取最好，却不是狂热的极致主义者。当要求再调亮光线，得到回答“已经最亮了”，她不会纠结，而是迅速进入下一个环节。每当调光时间一长，她会叮嘱演员不用摆好姿势等待，“先休息一会儿”。四散在观众席的编导们，三言两语提建议。她等大家全说完了，再补充。一舞结束，金星先说，“演员辛苦了”。声音平和不代表态度含糊，她紧接着说，“第二段动作太小，太多情绪”。

金星笑着说：“以前我也是暴躁风格。这么多年历练，现在我讲道理，就像上编导大师课，让年轻演员看到怎么处理问题。舞台合成是排练后的又一次创作，调光像在画画，对年轻人也是一种影响，如何用简单、直接的语气让技术人员知道你要什么。”最后她忍不住补充，“我们那代人经得起摔打，90后、00后需要更多沟通、鼓励。”

30%上座率令演出收入锐减，“能和成本持平就好，我们有个精干团队，大家都是多面手。”需要两组追光，演员自己去二楼调机器，金星不会告诉他们必须怎么做，“我只讲我的理由、感受，唯一把关的是创作原则：舞台干净，动作语汇有特点，靠肢体、音乐、灯光结合，和观众交流。”

一半节目合成完毕后，黑色地胶换上白色地胶，金星走上台，“不能跟着自己感觉走，专业人士看脚部技术，观众更看效果。学会换位思考，我永远想到我是观众，第一眼看到节目是什么感受，为什么有这个感受。”

“我们不是在上课，我们要特别尊重观众。”金星排斥“过于以自我为中心”的舞蹈，“‘我’就是要这么表达，却没有找到合理的理由呈现在舞台上，是对观众不尊重。”她一连说了好几个形容词，“自以为是、无病呻吟、孤芳自赏、掩耳盗铃，觉得自己高深不得了，第二天自己就忘记说了什么。”金星将这类舞蹈归因于想走捷径，因此形式大于内容，“剧场需要交流，而不是发表宣言的空间。如果只表达自己，不进行交流，干嘛要来剧场？”

金星要求演员通过作品“给出强大的站在舞台上跳舞的理由、坐在观众席欣赏你的理由”， “用你的审美架构作品，大幕打开，音乐响起，有审美。这种审美标准，我从来没有降低，我也不允许我的演员降低。在这个审美标准之上，每个人表达自己的东西，这是自由的。如果没有基本的艺术审美，不要谈创作。很多创作者，没有审美，是讨巧。”

不登台时，金星鼓励演员们多看演出、展览、书籍、工作坊，多和世界接触，“为了效果，只给三分钟表演时间的舞蹈，是哗众取宠的快餐文化，是在消费舞蹈。看真正的舞蹈，需要多多走进剧场。演员不是比出来，不是喊出来，是观众看出来的。”

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